La postulación a los Fondos de Cultura 2014, implica para el PCdV a una instancia de vinculación y apoyo a las diferentes agrupaciones o colectivos artísticos.

En directa relación con la misión institucional, el PCdV recibe por tercer año consecutivo desde su apertura, un número cada vez mayor de solicitudes de apoyo y compromiso en las diferentes áreas artísticas y de gestión cultural, el 95%  de los requerimientos son de ámbito regional.

Este año, el PCdV apoya un total de 146 proyectos que postulan a los Fondos de Cultura, en sus diferentes áreas y  líneas. Más del doble del año anterior. Cada proyecto requiere no sólo del  compromiso formal a través de su infraestructura, si no que, en muchos casos, de un apoyo en materias de formulación de proyectos, tema que el PCdV ha recogido y se propone abordar a través de programas de capacitación para la comunidad artística el año 2015.

Las áreas artísticas que apoyamos son: teatro, danza, circo, artes visuales, fotografía, arquitectura, música y arte sonoro, audiovisuales.

Una característica de las solicitudes llegadas al Parque este año, es la inclusión de otras variantes artísticas, como la ópera, los nuevos medios y las tecnologías, además de las artes interdisciplinarias.

El PCdV espera que tengan éxito en el proceso y logren superar las evaluaciones respectivas para materializar las acciones creativas propuestas.

Cantidad de proyectos en apoyo PCdV: 146

Teatro: 45

Danza: 21

Música y arte sonoro: 15

Artes Visuales, fotografía: 17

Arquitectura: 4

Literatura: 7

Audiovisuales y nuevos medios: 12

Circo: 4

Opera: 5

Otras disciplinas, becas, seminarios, charlas, investigación: 16

Ramón “mocho” Plaza

El eximio baterista chileno  que estuvo radicado 7 años en Suiza, donde conformó un sin número de bandas con las cuales recorrió Europa, siendo galardonado en el Montreux Jazz con el premio del público, se presenta  este lunes 22 de septiembre para  realizar una clínica especializada y posteriormente,  un concierto en el teatro del Parque Cultural de Valparaíso.

Ramón Plaza, baterista profesional y profesor de batería  ha trabajado como “sesionista” e impartiendo clases de este instrumento. Ha tocado en diferentes festivales en Europa donde ha compartido escenarios con grandes músicos, como en Montreux Jazz, en el que participó durante siete temporadas y en el que tuvo una gran participación  con su antiguo grupo Ochumare.

Ramón Plaza ha desarrollado técnicas depuradas en la batería como el finger control, moeller, open close technique, freehand technique y  gruber technique.  También maneja a la perfección los estilos de rock, funk, latino, jazz y sus derivados,  siendo mencionado en varias publicaciones especializadas de música del viejo continente. Posee, además,  un amplio conocimiento de la metodología de la batería y en su recorrido musical ha  trabajado con músicos reconocidos mundialmente, entre los que se puede mencionar a Frank Gambale, Paquito de Rivera, Héctor el torito Acosta, Yiyo Sarante, James Arthur Jabberwocky, Sin Semilla, Keziah Jones, Il niño, Ectomorf, Aborted, Vader, entre otros.

Grupos en los que ha tocado

Missing ( nu metal, latino) Crack (jazz, rock) Horeja (jazzrock d’avant-garde) K-lafate (funk rock) Ricardo Arancibia (jazz, latino, funk) Samuel Concha Trio (jazz d’avant-garde) Altera (rock, pop) Virtual (hard rock) Gonzalo Vidal Trio (jazz fusion) Goda (soul, r&b) Eduardo Donoso (soliste pop balade) May (pop) Tomas Krum Quartet (jazz, be bop) Marcelo (Protagonistes de la musique, pop, rock) Naima (jazz bop modern ) Mario Guerrero (Progr. Equivalent Nouvelle Star, balade pop) Metropolis Big Band (UMCE, jazz, funk, latino, musiques de films) Mahesh (rock, jazz, folk, progressif) GO (soul, r&b) Johanna Rezzio (pop) Cristóbal Arriagada (jazz, fusion, rock) Sangre Arborigen (metal) Banda Hyatt (covers band) Harley Ferreira Band (latino, jazz) Madera Latina (pop, latino) 38 grados (latino) Ochumare Trio et Quartet (latino, jazz) Zrrpla Trio (jazz) Ethno Connection Quintet (latino, jazz) Michael Flainer et son Septette international (latino, jazz) Malika Band (jazz) Tribu Trio (jazz, be bop) Prieto Candombe Band (Candombe, funk, salsa) Percussion Brasilera’as (batucada) Le Brouvreuil (groupe d’accordéonistes) Mouva (tropical, latino, afro) Barrio Latino (merengue,bachata,salsa) Feos hijos o buenos inmortales (metal latino).

Videos:

https://www.youtube.com/watch?v=B1pZGd1DT6s

Clínica de Percusión:

Lunes 22, 18 horas, inscripciones en lapalanganaproducciones@gmail.com.

Concierto Ramón Plaza Trío

Lunes 22, 19 horas.

Ambas actividades con entrada liberada.

Un gorila blanco nos llama a reflexionar.

Del dramaturgo español Juan Mayorga, Premio Nacional de Literatura Dramática, España 2013.

Copito de Nieve se muere y, en su agonía, quiere hablarnos. La palabra es su liberación, nos dice todo aquello que antes no ha sabido o no ha querido decir. Copito se humaniza ante nuestros ojos y nos habla de su vida; de lo que piensa sobre el guardián que lo custodia y sobre el gorila negro que lo acompaña.

Esta obra teatral es de una gran versatilidad para referirse al tema de la identidad del hombre moderno, la existencia y la condición humana, temas que han querido abordar y profundizar en gran parte de los montajes la compañía Colectivo Teatro Urbano PAT Chile. “Es muy interesante poder llevar esta obra a escena, no solo por su argumento textual y dramatúrgico, sino también desde un planteamiento estético, ya que resulta muy atractivo llevar dos gorilas a escena” señala Sidhartha Corvalán, Director del montaje quien, junto a la compañía lleva meses de estudio y ensayo en las salas del Parque Cultural de Valparaíso, polo de desarrollo creativo y de training cada vez más afianzado en la ciudad.

Copito de Nieve no es un gorila cualquiera, Copito es un “ciudadano ejemplar” la paradoja de nuestra sociedad contemporánea. ¿Es posible que Copito sea más humano que nosotros mismos? Copito no solo nos enseña diversas razones de por qué no temer a la muerte, sino también como enfrentar la vida.

“Son diversos los temas que aborda el texto dramático que nos interesa profundizar con esta obra, precisamente la humanización del gorila nos muestra la deshumanización del hombre contemporáneo. Copito es un espejo de nosotros mismos, no solo nos muestra nuestros temores y virtudes sino también nuestra hipocresía e inconsecuencia” apunta Corvalán.

“Últimas palabras de Copito de Nieve” se convierte así en un testamento vital y filosófico sobre la vida y la muerte. Sobre la muerte y la vida. Copito nos habla de una verdad humana, la vida, la existencia, la muerte, pero no olvidemos que esta verdad está dicha por un “gorila”. Esta dicotomía es la que le da especial atractivo a la obra teatral.

El guión de Juan Mayorga nos introduce en un mundo en el que se humaniza aún más la figura de Copito de Nieve. Nos muestra un gorila tan parecido a nosotros que es como mirarse en el espejo, donde ves tus miedos, tus carencias, tus soberbias y tus virtudes.

Copito de Nieve, el pequeño Kong y el guardián, interpretados por Arturo Rossel, Alexander Castillo y Cristian Palacios, representan una trágica pero esperanzadora historia, en la que nos hablan de cuál es la visión de la vida dentro del  zoológico a partir del punto de vista de un habitante muy particular.

“Más allá de los esteticismos o la crítica social,  queremos hacer un teatro donde su fuerza radica en la palabra, el texto  y la interpretación, con una profunda reflexión crítica a nuestra sociedad moderna,  pero que cumpla la misión original del teatro occidental; dialogar con la polis y elevar el espíritu del espectador”  finalizó Sidhartha Corvalán, Director del montaje que verá la luz en octubre próximo.

La historia de Copito de Nieve

Copito de Nieve ha sido el único gorila albino del mundo,  fallecido en el Zoo de Barcelona en Noviembre de 2003, después de que los veterinarios y especialistas que lo atendían le practicaron la eutanasia, con el fin de evitar una “agonía extremadamente dolorosa”. El animal padecía cáncer de piel. El gorila albino Copito de Nieve fue capturado por el cazador Benito Manié, un cazador de la tribu essamangon, de la etnia fang, tras abatir a toda su familia -por considerar que los gorilas de costa destrozaban sus cosechas-. Manié se percató entonces de que, agarrada a la espalda de la madre, había sobrevivido una cría albina. La captura se produjo el 1 de octubre de 1966 cerca del poblado de Nko, en la selva de Ekonoguong y Niabesán, en la provincia del Río Muni de la antigua Guinea española, actual Guinea Ecuatorial. En el momento de su hallazgo, el gorila tenía entre dos y tres años de edad, medía 54 centímetros y pesaba 8,75 kilos. Manié trasladó al animal al Centro de Adaptación y Experimentación Zoológica que el Ayuntamiento de Barcelona tenía en Ikunde y se lo vendió al primatólogo Jordi Sabater Pi por 15.000 pesetas, quien aceptó pagarlas si el animal sobrevivía un tiempo razonable. El primer nombre que recibió la cría de primate fue ‘Nfumu-Ngui’ que, en la lengua de la etnia fang, significa ‘gorila blanco’. El gorila llegó a Barcelona el 1 de noviembre de 1966, donde fue recibido por el entonces alcalde José María de Porcioles. En marzo de 1967, ‘Nfumu’ apareció en la portada de la revista norteamericana National Geographic, bautizado como ‘Copito de Nieve’, nombre que al final se quedó como definitivo y que le valió la difusión internacional, hasta convertirse en uno de los símbolos de Barcelona. Los responsables del zoo le procuraron  tres parejas a lo largo de su vida, con las que tuvo 21 hijos, de los cuales el único varón, Urko, murió en agosto de 2003 tras ser operado de urgencias de peritonitis. Ninguno de sus hijos ni de sus nietos ha heredado su albinismo. Copito llegó a alcanzar los 181 kilos de peso y 1,63 centímetros de altura, con una alimentación a base de frutas, verduras, leche y yogur desnatado. Sus cerca de 40 años de vida –muy superior a los 25 que suelen alcanzar en libertad- equivalían a más de 80 para un humano. La peculiaridad de su albinismo le hizo siempre vulnerable a los rayos ultravioletas y, a pesar del esmero de sus cuidadores en procurarle zonas de sombra, el animal comenzó a mostrar problemas de piel en 1996. Copito de Nieve tomaba antes de su muerte un cóctel de antibióticos para evitar infecciones, antiinflamatorios para tratar el contorno de la llaga, antitumorales y antidepresivos. Estos últimos fármacos los tomaba antes del desarrollo del cáncer para mejorar su estado de ánimo y su conducta social con el resto de su familia aunque, según sus cuidadores, el gesto huraño del gorila se había suavizado tras ser operado de cataratas, que le impedía percibir su entorno con claridad. En septiembre de 2003 el presidente del Zoo, Jordi Portabella, anunció la intención de no prolongar innecesariamente la vida del animal y no someterlo a una nueva operación para tratar la llaga, debido al dolor que supondría y que no ofrecía ninguna garantía de curación. El Ayuntamiento animó entonces a la ciudadanía a despedirse de Copito, en especial a los niños, a quienes se les garantizaba entrada gratis a cambio de un dibujo de homenaje. También entonces, la dirección del recinto anunció que Copito se mantendría en las instalaciones a la vista del público hasta que sus condiciones lo permitieran y que sería incinerado tras su muerte, como todos los animales del zoo. Sin embargo, dada la excepcionalidad del gorila, Portabella avanzó que se le practicaría una necropsia para determinar la causa exacta de su muerte, al tiempo que se recogería material genético, tejido y material óseo para poder ser investigado en el banco de datos de ADN.

Copito de Nieve se estrenará el jueves 2 de octubre en el teatro del Parque Cultural de Valparaíso.

Ficha artística:

Sidhartha Corvalán Gómez, Director.

Actores:  Arturo Rossel, Cristián Palacios Miller y Alexander Castillo.

Diseño: Ricardo Gómez .

Músico: Ricardo Lobos.

Coreógrafo: Omar Prasthan.

Constructor escénico: Miguel Alvayay.

Iluminación: Rodrigo Estay.

Vestuario: Estibaliz Uzabeaga.

Maquillaje y prótesis: Franco Lillo.

Producción ejecutiva: Eduardo Robles/ Producción general: Isidro Parro, La Maceta Producciones.

Con la colaboración artística del Coro Femenino de Cámara y Ensamble Ex Corde PUCV, composición y dirección del Maestro Boris Albarado, más 17 cantantes y 9 instrumentistas.

* Proyecto financiado por el Fondo de Cultura 2% FNDR del Gobierno Regional de Valparaíso, Convocatoria 2014.

El pasado viernes 12 de septiembre a las 17:00 en la Sala de Biblioteca se expuso el resultado del trabajo realizado por los talleristas durante 3 meses bajo de la tutela de Felix Pino-Kovalenko.

La presentación otorgó una noción-semilla sobre el concepto de Música Rupestre. Fueron 4 las composiciones que se ejecutaron, cada una de las cuales entregó un prisma diferente sobre las posibilidades acaparadas por el género.

Fue una jornada íntima pero de mucha entrega y proyección.

Dos novedosas propuestas de trabajo con el cuerpo, la imaginación, el movimiento y la poética gestual, llegarán en septiembre a Valparaíso a cargo de las coreógrafas Roser López de España y Natalia Tencer de Argentina, dirigido a  quienes buscan profundizar sus conocimientos sobre  narrativas del cuerpo, dramaturgia en escena y procesos creativos.

 Los seminarios talleres se realizarán en el Parque Cultural de Valparaíso y las inscripciones para asistir al seminario pueden hacerlas al mail formacion@escenalborde.cl

 Como parte de las actividades del Festival Internacional Contemporáneo Danzalborde 2014, dos coreógrafas de España y Argentina dictarán talleres-seminarios en el Parque Cultural de Valparaíso para quienes buscan perfeccionarse en el ámbito de la danza contemporánea.

El primero de ellos se titula: “El Cuerpo y la Imaginación” y estará a cargo de la docente Roser López proveniente de España. También se desarrollará un laboratorio taller en torno a la Investigación y composición del movimiento expresivo en danza, a través de la poética gestual en la actividad de un cuerpo que piensa. La docente a cargo es Natalia Tencer de Argentina, quien integra el grupo El Niño Viejo.

Provocar procesos creativos

Respecto a ambos talleres, Rocío Rivera, co directora  del 13° Festival Danzalborde señala: “ los seminarios de Danzalborde, están distanciados un poco de la propia realización del Festival, en busca que los participantes puedan tener un tiempo previo al Festival Danzalborde para asimilar esta información que reciban, tal vez de provocar algunos procesos creativos que puedan ser recogidos durante el Festival. Viene Roser Lopez de España y Natalia Tencer que viene de Argentina, tienen propuestas bastante distintas, ambas están enfocadas en apoyar aspectos de la creación, pensando también en que el taller de Roser está apuntando a las lógicas de creación de lenguaje para el movimiento y el de Natalia está asociado a las líneas de dramaturgia en la escena. Son espacios para preguntarse cómo crear y facilitar herramientas desde la perspectiva de estas dos creadoras, para la gente que está dedicándose a la danza y no tanto desde un enfoque de transmisión técnica que es la costumbre….”

“Entendemos que en la creación hay un ámbito de lo técnico, que es el entrenamiento y el lenguaje que cada creador decida tener y quizás lo que hace diferencia a los creadores, son las preguntas que se hacen en relación a con qué tipo de cuerpo, generan sus discursos y nosotros nos queremos enfocar más en esa línea de trabajo”.

Respecto a quiénes pueden participar Rocío Rivera señala: “es importante que las personas que asistan, que quieran inscribirse, tengan un perfil enfocado en el ámbito de la creación, eso implica que pueden venir personas ligadas al teatro, la performance, de formación circense y de danza”.

Construir arquitecturas de un solo cuerpo

Respecto al taller de Roser López Espinosa, la coreógrafa ha señalado: “el cuerpo imagina y se transforma. El cuerpo es versátil, está lleno de paisajes. La paleta de movimiento es infinita y es fascinante poner en práctica nuestra imaginación física en toda su amplitud. Este taller propone herramientas físicas y del imaginario que uso en mi trabajo de creación y en especial del espectáculo Lowland. El taller empezará con un trabajo de técnica y exploración física, para después poner en práctica las herramientas de creación mediante la improvisación y el juego, la imaginación y el reto. Nos aproximaremos al movimiento a partir de la base de un cuerpo articulado, suave, ágil, veloz y potente, aprovechando la riqueza de movimiento de la columna para usarla como motor, en los diferentes niveles y planos del espacio y jugando con la velocidad. Pasaremos por prácticas de trabajo de suelo, con rolls, saltos y grandes planeos para volar a ras de suelo y por encima de los compañeros.

Practicaremos trabajo de pareja construyendo “arquitecturas de un solo cuerpo” o “nudos”, estrategias de contacto y escucha que desde la sutilidad inicial llevan a caminos físicos compartidos de gran complejidad. Jugaremos a fragmentar el movimiento y a trazar caminos compartidos sobre el compañero.  Despertaremos la escucha y el sentido de equipo y de colaboración en parejas y en grupo para realizar trayectorias rápidas en el espacio. Y pondremos en práctica los diferentes alcances de la mirada, el detalle, la precisión y el juego”

Poética gestual de un cuerpo que piensa

En tanto el Laboratorio y Taller, “Investigación y composición del movimiento expresivo en danza, poética gestual en la actividad de un cuerpo que piensa”, de Natalia Tencer se sustenta en los siguientes fundamentos: “nos preguntaremos acerca de la narración, el relato y el sentido del acontecimiento físico expresivo del movimiento del cuerpo. Cuán aislado o vinculado está con lo que lo rodea.  Qué relaciones temporales y espaciales compone. De dónde viene y qué organiza su existencia actual. Hacia dónde va todo gesto, acción y movilidad. Qué lo hace ser existencia. Haremos dialogar y sospechar entre sí lo inédito y novedoso del movimiento, con aquello que suponemos excluir. Dónde y cómo observamos y recreamos la plasticidad poética de la composición físico expresiva de los cuerpos.

Cómo nos ponemos en relación con el entorno espacio temporal. La idea de permanencia y duración, de fracaso y aburrimiento. Mover y permitir pronunciar un estado de exposición. Hacer y dejarse hacer. Mirar y dejarse ver. Darse a ver – hacer para dejarse mirar. Dejarse ejercer y ser actuado por la repercusión de lo que en el cuerpo y los otros cuerpos se organiza y exterioriza. La infinita y constante oscilación de obrar y reconstruir, para volver a reunir lo que construí, y todo nos sirve, hasta incluso aquello a lo que estamos acostumbrados…

Tomar distancia y volver, situarse y des-situarse para hacer del movimiento un evento de ficción. Lo supuesto y la sospecha de lo supuesto. Lo esencial y lo simple. Lo muy nuevo y lo muy viejo. Peregrino extraordinario y ordinario”

Horarios e inscripciones en Danzalborde.

El seminario de Roser López Espinosa, se dictará los días  lunes 22 y martes 23 de septiembre de 17 a 21 horas, y miércoles 24 de septiembre de 10 a 14 horas en el Parque Cultural de Valparaíso. El valor de la inscripción es de $ 12.000.-

En tanto el de la coreógrafa Natalia Tencer, se realizará desde el día jueves 25 al domingo 28 de septiembre de 17 a 21 horas en el mismo Parque Cultural de Valparaíso y el valor de la inscripción es de $ 16.000.-

Precio especial por ambos seminarios: $ 25.000.

Más información e inscripciones al mail: formacion@escenalborde.cl www.escenalborde.cl

2.200 niños, niñas y adolescentes sufrieron prisión o tortura durante la dictadura. En este contexto la Seremi de Gobierno de la región de Valparaíso en conjunto con el Consejo Nacional de la Infancia, organizaron un espacio de reflexión en donde participaron adultos que fueron niños para el Golpe y que sufrieron las inclemencias de este régimen dictatorial.

Durante la jornada efectuada ayer en la Sala de Lectura, se exhibió un video y se realizó una mesa de conversación con un panel de expertos que expuso sobre la violencia a los derechos del niño que ejerció en el país el régimen militar.

Asistieron además las Seremis de Salud y Educación.

Manush y Viridian

Ambas agrupaciones  destacan por la utilización del violín como uno de sus principales instrumentos solistas.

Un festivo concierto se realizará este sábado 13 de septiembre a las 19 horas en el Parque Cultural de Valparaíso cuando se den cita en el teatro las bandas locales Manush, que cultiva el gypsy jazz y Viridian, que interpreta música gitana.

Este recital viene a cerrar el tercer ciclo de Territorios de la Música en el Parque, que ya tuvo a la Orquesta Andina y al Ensamble de Percusiones de Viña del Mar, en un nuevo  acercamiento de las bandas regionales al formidable escenario del teatro del PCdV.

Manush y Viridian son agrupaciones que  si bien poseen estilos diferentes,  cruzan experiencias musicales de referencia  gitana que caracterizan gran parte de su repertorio.  Por un lado,  Manush posee una  clara tendencia de “jazz gitano” que también rescata la identidad del puerto a través  del  “Jazz Huachaca”. Por otro lado, Viridian suma lo gitano a un repertorio que nos hace viajar a Medioriente y la Europa Judía a través de la música Klezmer.

Ambas agrupaciones, además, destacan por la utilización del violín como uno de sus principales instrumentos solistas.

Manush

Manush es una banda que incursiona en el llamado gypsy jazz (jazz gitano), que  nace en la década de 1930 en Francia, de la mano del guitarrista gitano belga Django Reinhardt y el violinista francés Stéphane Grappelli, que sin duda son las principales influencias del estilo. En una época donde el jazz ya estaba sonando en los Estados Unidos, Europa no estuvo ajena al naciente estilo; pero evidentemente lo hizo a su manera. Es así como Reinhardt y Grapelli, re-elaboraron los ritmos de los locos años ’20 con el sonido gitano, incorporando el vivaz tempo de su música y la utilización instrumentos de cuerdas como el violín y la guitarra, tan populares en los carromatos gitanos.

Manush nace en abril del 2009  en Valparaíso, con la intención de traer de vuelta aquellas bellas melodías y canciones de los años 20’ y 30’, así como también la música folclórica gitana y el swing. La riqueza rítmica y el carácter festivo del sonido de la banda permite vincular a Manush con el llamado “Jazz Huachaca”, recreación de Roberto Parra del foxtrot tan en boga en los bares y boites en los puertos de Valparaíso y San Antonio. Es así como Manush pretende crear y re-crear un sonido que es le es propio al histórico Valparaíso y su vida bohemia. Los integrantes de Manush son Sebastián Rojas en violín, Alejandro Barrientos en guitarra solista y voz; Gabriel Ríos, guitarra rítmica y voz y Felipe Huenuñir en contrabajo.

Viridian

El repertorio del Grupo Viridian corresponde a música folclórica y popular que inmigró a Chile desde diferentes países de Europa y el Medioriente, los que son versionados y re-arreglados para los instrumentos de la banda (Violín, Cello, Oud, Guitarra, Bajo Eléctrico, Batería, Percusión Árabe, voces) generando una fusión que explora las sonoridades originales en un contexto actual que se conoce como “música del mundo” (world music).

Con esta base de temas instrumentales y cantados en idiomas y dialectos originales ( Ladino y Romané) la banda comienza el proceso de composición de temas propios, fundiendo los estilos del repertorio para generar un sonido propio que se alimenta de sus distintas fuentes referenciales. Se propone así rescatar la memoria musical de comunidades que siendo parte de Chile desde varias generaciones, mantiene el origen inmigrante como raíz.

Los integrantes de Viridian son: Paulette Joui, cello y voz; Solange Joui, guitarra y voz; Josefina Thayer, violín y voz; Edmundo Castro, bajo eléctrico; Daniel Aspillaga, batería y percusión; Juan Francisco Solís, clarinete y Rodrigo Rogaler, percusión.

Además la presentación de Viridian contempla la puesta en escena de acrobacia aérea a cargo de Valentina Orellana.

Manush y Viridian

Sábado 13, 19 horas.

Teatro del Parque Cultural de Valparaíso

Entrada liberada.

Este viernes 12 de septiembre, a las 19.30 hrs se inaugura muestra de un referente histórico de la escena artística de Valparaíso.

El proyecto de exhibición Diagramas, del artista  Hugo Rivera-Scott, en el Parque Cultural de Valparaíso,  amplifica  y completa una exposición de doble montaje; es decir, que fue realizada inicialmente con un número menor de obras  en la Galería D21 de Santiago, entre el 10 de julio al 14 de agosto de este año. La particularidad de este proyecto es que fue pensado para ser exhibido en D21 y en el PCdV como parte de un mismo enunciado, y no como “itinerancia”. A lo que se agrega la edición del libro Diagramas, que estuvo a cargo de una iniciativa  editorial  que involucró la participación de dos editoras:  vaticanochico y ocho libros.

Para la muestra en el PCdV  se han agregado 24 piezas en tinta sobre papel, un objeto (reconstrucción) de 1969, una mayor superficie pintada que contempla  dos intervenciones murales y un video de registro que recoge lo realizado en la instalación de Santiago.

La serie de dibujos (tinta china sobre papel) que  compone la muestra con el nombre de Diagramas, tuvo su inicio en Valparaíso  en el año 1970 y solo ha sido exhibida en forma parcial durante estos años, entre las que se debe destacar  dos muestras colectivas en Santiago de Chile y en Cali (Colombia). Muchas de esas piezas se perdieron, permaneciendo solo 21 de ellas, las que para este proyecto han sido debidamente restauradas. La serie, interrumpida por el golpe de Estado, se mantuvo “encapsulada” en una carpeta, donde fue conservada, acompañando al artista durante el exilio.

El proyecto de exposición “Diagramas” considera la exhibición de los 21 dibujos originales que dieron  inicio al “proyecto” en los años setenta,  y la inclusión de 23 obras recientes constituidas por algunas reconstrucciones de piezas extraviadas y otras elaboraciones, que no hacen más que confirmar una   estrategia de obra que afirma su total vigencia en la actualidad del arte chileno.  Con ellas se completa el total de cuarenta y cuatro obras abstractas originales, realizadas en tinta sobre papel como soporte general, casi todas realizadas en formatos que miden  50 x 70 cm. en cuanto a las  dimensiones del soporte, las que enmarcadas resultan de una dimensión máxima de 66 x 93 cm.; además de una pintura sobre tela de formato mediano realizada en 1968 y enmarcada.

Si bien la  serie “Diagramas” comienza en 1970,  para esta exhibición Hugo Rivera Scott  incluyó una obra de 1968 y una pieza escultórica de 1969, ya que a su juicio, “con esta exposición estoy haciendo historia, historia de arte de Valparaíso, desde Valparaíso”.

Al corpus básico descrito se agrega una obra realizada in situ, como obra de pintura efímera, que de acuerdo a la museografía consistirá en dos planos azules realizados en esmalte al agua, separados y ocupando los extremos del espacio de exhibición.  Sobre estos paneles que confinan el espacio de exhibición se realizarán dos  diagramas blancos (“calados”)  proporcionalmente dimensionados  según el formato de dichos paneles, y por tanto,  mucho mayores que los dibujos en exposición.

Se agregan a la muestra, dos proyecciones:

1. Un video de animación digital, el que a modo de otra obra proporciona una “explicación gráfica” de la propuesta de los “Diagramas”, será presentado por medio de una pantalla instalada en el recinto.

2. Una proyección del registro fotográfico del proceso de montaje en la sala D21 en Santiago, que a modo de diaporama se mostrará a modo de una película documental en el recinto adyacente a la sala de exposición.

biografía HRS

Este año, la 8va versión del Festival que organiza Tsonami Arte Sonoro, contempla residencias artísticas donde los seleccionados podrán residir en Valparaíso entre el 19 de noviembre y el 7 de diciembre de 2014, para el desarrollo de proyectos de investigación sonora en la ciudad. Bajo el tema “Geografías audibles”, esta convocatoria invita a la realización de residencias en la particular y accidentada geografía de Valparaíso.

Residencias

La organización amplió el plazo para postular hasta el 15 de septiembre. El llamado es a investigar y articular la dimensión territorial y sonora de la ciudad, explorando cruces entre la realidad audible (o inaudible) y la complejidad urbana, cultural, social, histórica, por medio de la construcción de relatos y procesos que investiguen campos de acción acotados, en particular a través de metodologías que aborden un delimitado eje espacial y/o conceptual. La realidad barrial, lo privado, la micro-historia, un muelle, una quebrada, son ejemplos de algunas posibles temáticas a abarcar.

Los seleccionados contarán con dos semanas y media para llevar a cabo sus proyectos, culminando en un proceso colectivo de creación editorial para la publicación de textos/audios/imágenes/videos sobre los procesos de investigación. No obstante, es posible generar acciones, intervenciones o pequeños montajes según las necesidades particulares.

La convocatoria, señala Fernando Godoy, director de Tsonami Arte Sonoro “busca abrir espacios de investigación para el desarrollo de procesos en la ciudad, a partir del sonido como experiencia y pretexto”. Agrega que Tsonami “no se plantea como un festival solo de exhibición sino que en sí mismo, es un proceso que busca armar conexiones entre los artistas, el territorio y la comunidad”. En este sentido, señala, la invitación es a experimentar el territorio y buscar estrategias y dispositivos de vinculación con lo local.

El Festival Tsonami 2014 se realizará del 2 al 7 de diciembre en Valparaíso, con una extensión en Santiago programada para el 9 y 10 de diciembre. Requisitos y condiciones de postulaciones en:  http://www.tsonami.cl/

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